LIBRO DE LA BIBLIOGRAFÍA

Libro de Will Gompertz

Datos básicos del autor:

Will Gompertz nació el 25 de Agosto de 196. Actualmente es director de Arte de la BBC y ex director de comunicación de la Tate Gallery. Ha sido nombrado uno de los 50 pensadores más originales a nivel mundial por la revista Creativity de NY.

Motivo por el que lo has seleccionado:

Opté por este libro debido a la cantidad de información de artistas que propone y el punto de vista que tiene al hablar de todos ellos. Este libro rompe esquemas.

Resumen del libro:

Este libro explica detalladamente que hicieron esos artistas que pone de ejemplo para ser creativos, vivir de sus creaciones y nos da los códigos o patrones utilizados por ellos para el funcionamiento del proceso creativo.

Capítulos en los que está organizado:

1. Los artistas emprenden.
2. Los artistas no fracasan.
3. Los artistas se toman su curiosidad muy en serio.
4. Los artistas roban.
5. Los artistas son escépticos.
6. Los artistas piensan en el conjunto y también en el detalle.
7. Los artistas tienen su propio punto de vista.
8. Los artistas son valientes.
9. Los artistas no se paran a pensar.
10. Todas las escuelas deberían ser escuelas de arte.
11. Una última reflexión.

 Interpretación personal del libro:

La cantidad de formas que hay de crear y que nunca nos hemos planteado, por miedo, por vergüenza o por otras razones. Tenemos el miedo arraigado en nuestro cuerpo, el miedo a equivocarnos, a no acertar, a que no funcione. Justo este libro ofrece ejemplos de artistas que no triunfaron en un primer momento porque esa idea no funcionaba de esa manera, pero que observada desde otro punto de vista es ideal, funciona, A veces nos ofuscamos en que esa es la mejor idea, que viene como anillo al dedo, pero muchas veces no es así, nos tenemos que parar a pensar en los porqués de que esa idea no funcione y empezar a crear una cosa totalmente nueva con otro código diferente. Un artista nunca se puede rendir.

Postulados que defiende:

Todas las personas tienen el don de crear, pero solo algunas optan por desarrollarlo mediante un proceso de trabajo y esfuerzo, de cometer errores y aprender de ellos para poder llegar a ser un GRAN artista. Me encantó un capítulo del libro en el que contaba que a veces la idea más complicada es la menos viable, la que menos funciona y que a veces una más sencilla, como por ejemplo trabajar solo con pintura blanca y negra, es mucho más creativa y llama más la atención.

Puntos fuertes del libro:

Ofrece su punto de vista de una manera entendible, motivando al lector a que cree. Se puede decir que habla sin tapujos del negocio del arte, contando pues el mercado empresarial que mueve el arte y que queramos o no los artistas siempre serán empresarios de su obra, siempre y cuando haya personas que la consuman.

Puntos débiles del libro:

Hay veces que habla de tantos artistas y aporta tanta información, que te acabas haciendo un lio y ya no sabes de quién estaba hablando. Tienes que retroceder y volver a leer la página anterior para enterarte.

¿Qué te ha aportado?

Este libro me ha aportado otra forma de ver las obras artísticas, otra forma de entender el arte totalmente diferente a la que ya tenía. Me ha aportado motivación y ganas de hacer cosas nuevas, innovadoras sin importar el qué dirán. Este libro te abre la mente. Te aporta sabiduría, nuevas técnicas para crear, para no quedarse obsoleto.

RESEÑA LOS ESPIGADORES Y LA ESPIGADORA

Viajando por Francia, Agnès se ha encontrado con espigadores, recolectores y gente que busca entre la basura. Por necesidad, puramente por azar o por obligación, esta gente recoge objetos desechados por otros. Su mundo es sorprendente. Constituye un gran contraste con el mundo de los espigadores de ayer, de las mujeres campesinas que escarbaban para conseguir los pequeños granos de trigo que quedaban después de la cosecha. Patatas, manzanas y otros alimentos desechados, cosas sin dueño, relojes sin manillas, televisores, juguetes; éste es el menú de los espigadores de hoy. Pero Agnès es, ella misma, también una especie de espigadora con su cámara recogiendo imágenes para este documental tan personal. El mismo hecho de filmar es, de por sí, una forma de recolección. La directora también quería expresar su amor a la pintura. “Tenía que unir las piezas y hacer que tuvieran sentido en la película, intentando no traicionar las cuestiones sociales a las que se refiere: los desperdicios y la basura”.

En él, nos quiere hacer pensar acerca de la sociedad de consumo en la que vivimos, de usar y tirar y del despilfarro que hacemos a diario. Lo que nosotros desperdiciamos es recogido por otras personas, algunas lo hacen por su extrema pobreza y otras porque creen que es inmoral tirar tal cantidad de comida y objetos cuando miles de seres humanos se mueren de hambre en el mundo. También hace alusión a aquellos que recogen objetos de la calle para hacer de ellos una obra de arte.

Este documental me recordó a las obras de un artista, B. Wurtz, que vi recientemente en La Casa Encendida. La práctica de este artista se caracteriza por recopilar y acumular objetos de uso común, la mayoría relacionados con hábitos de consumo, para luego ensamblarlos obteniendo como resultado una serie de piezas escultóricas que más que realzar o cambiar el significado de estas piezas cotidianas, evidencian su forma y su función.

TALLER DE CREATIVIDAD

El lunes tuvimos una conferencia. La primera hora se basó en una charla sobre psicoanálisis y la segunda hora hicimos varias prácticas para ser creativos.

En las prácticas nos mandaron cambiarnos de sitio y formar grupos de 5 personas. Tuvimos que coger un papel y material para pintar. Este ejercicio consistía en hacer un dibujo, lo primero que se te pasara por la cabeza, en un minuto y pasárselo a tu compañero. Tu compañero tenía que hacer un dibujo en tu hoja y así sucesivamente. Cuando acabó el tiempo, te devolvían tu ejercicio y tenías una obra colaborativa. Esto nos enseña que muchas veces es mejor trabajar en grupo que solo, pues habrá más creatividad. El último ejercicio consistía en hablar con tu compañera por medio de dibujos en un papel, no se podía hablar, pero sí echarte unas risas.

EXAMEN PARTE II

En el segundo día de examen, que cayo en viernes, tuvimos que terminar el ejercicio sobre colores complementarios y adyacentes. Una vez hecho eso, MJ intercambió los ejercicios con otras mesas (estábamos en grupos de 5 personas) para evaluarlos según el color escogido de la revista para representar ese tono, el color conseguido, el color complementario del color inicial y sus dos adyacentes. Al terminar la evaluación de todos los trabajos que estaban en la mesa se hacía una media de cada ejercicio para obtener una final.

LA TABACALERA

El pasado sábado fui a ver la exposición de la Cantera Tabacalera/Residencia Taller, pero antes de esto no me di cuenta donde estaba la sala y vi todas las exposiciones que había allí, desde fotografías en blanco y negro a polaroids. Cuando ya me iba, me percaté que había una sala más al salir, y en efecto, esa era la expo que había venido a ver. Me llamó tanto la atención... sobre todo me quedé alucinada con el ordenador que estaba transmitiendo en directo desde una cámara la cola que había para entrar a un restaurante. Dicho esto, os dejo varias imágenes para que comprobéis lo que digo.

EXAMEN PARTE I

MJ empezó la clase con una canción muy animada de Love of Lesbian y pasó a explicarnos lo que teníamos que hacer en el examen. 

Aquí os dejo el link de la canción: https://youtu.be/b0rUuqwiUCc

EXPOSICIÓN MARCEL BROODTHAER

El viernes cambiamos el aula habitual por la exposición en el Reina Sofía de Marcel Broodthaer ´´La Retrospectiva´´.

Su producción examina los límites del arte, de la experiencia del público y la construcción social del museo como institución pública; para lo que lo desborda las categorías tradicionales referidas a los géneros artísticos. Objetos, poemas, múltiples, proyectos e instalaciones constituyen los dispositivos y soportes de unas piezas saturadas de referencias, citas y alusiones a la cultura literaria y visual contemporáneas. La posible percepción ambigua de su obra en un primer momento responde a su dominio del lenguaje y al uso que de él hace desde la ironía, el juego y la poesía. Así, sus obras por su estructura hermética se presentan, según el propio artista, como jeroglíficos y exigen al espectador mantener una actitud consciente y activa. A este respecto, recupera a Magritte, despojándole de los tópicos surrealistas, en su afán por revelar la relación entre el objeto y su representación y con la intención de unir el lenguaje de las formas con el de las palabras.

En su obra utiliza materiales atípicos en el arte, desde mejillones a cáscaras de huevo pintadas, reivindicando así el uso de nuevos elementos en las obras artísticas.